“我喜欢浪漫这个词。世界存在着各种观点，人类饱含复杂的感情，许多情绪无法被定义，这种模糊的概念充满潜力和变化。冲突的元素以某种方式拥抱彼此，截然不同的人克服分歧和谐共处。浪漫的视角可以作为设计的一种工具，为我们指引方向以及更透彻地理解事物。”

金智虎（Howard Jiho Kim）

AD100建筑师，TEMP建筑设计工作室创始人

“东方设计100/East Design 100”首次展览以AD100建筑师金智虎的视角，讲述建筑师理解的“浪漫Ambiguity”。作为韩裔美籍建筑师，金智虎的成长和职业生涯辗转于美国、韩国、中国，拥有东、西方文化背景的他在应对不同设计项目时，也始终抱持开放、包容、流动的态度。

关于“浪漫”（Ambiguity），人们有着千百种理解，而在东方语境里，浪漫意味着一种模糊的、暧昧的、混沌而平衡的美学：讲留白，描意境，哀而不伤，瑕不掩瑜，自然之美正因其四时变化，生命之妙在其不完美之姿。这也成为我们与AD100建筑师金智虎（Howard Jiho Kim）设计“东方设计100/East Design100”系列主题展览空间的起点。

“东方设计100/East Design100”展厅全貌。AD100建筑师金智虎设计出一个开放的、包容的、流动的“庭院”，取中国传统“四合院”之精髓，以疏密有致的方式将十位设计师的作品集聚其中。

“庭院即室内外空间的集合，如果是中国三四进的四合院，它会包含两到三个庭院，如果是胡同甚至会延伸出几百个院子，对我来说，庭院是开放的户外空间，同时又是围合的‘房间’。”

“这种‘房间’它有层次，因为你会反复穿梭于室内外区域；它又是融合的，你可以看到多个空间的聚合；它们具有无限潜力，将人的所有活动囊括其中；它没有明确的功能划分，因此你可以用不同的方式去使用它们，这种不确定性也是空间的价值所在，也是我理解里东方文化在建筑空间中存在的方式。”

“东方设计100/East Design100”展览空间不仅是中国本土设计师的作品展示场所，也是糅合AD100建筑师设计思路的空间作品，它和而不围，通而不透，兼具东方传统韵味与西方设计思维。

“这几年的社交隔离让人们之间的联系被切断，因此我们应该去做这样的设计，把人们重新聚在一起，找到人与自然的连接，去创造互动、激发对话和协同效应，展览中以区块展现的家具也让我产生了这样的思考，到底建造多少栋建筑才能创造出一个村落或城市？”

建室以安居，展览中一个个小而精、清而美的家具区块，疏密有致，高低错落，宛如一方封而不闭的小天地；半透明织物后的模块展出着设计师陈燕飞的家具作品，从左至右分别为：云摇椅、咏梅系列梅花茶几、玲珑镜架，均由璞素出品。

“我们希望创造出鼓励人们移动的场域，如同城市里宽窄不一的巷弄，你需要不断转动方向才能探索不同的空间，展场没有设置出入口，你可以从任何地方开启一场空间之旅。”

“庭院”内的小径可以通往不同的房间，内部所放置的家具兼顾传统与现代，均围绕人们生活起居、谈天品茶等社交活动而设。

“我们没有设置墙体来阻挡视线，而是以半透明的织物作为区隔，远远看去，你只能看到房间侧面或是部分作品，你需要亲身走近才能看清楚它们的全貌，这也意味着你会不断地与空间产生互动，你的身体会直接与家具产生对话。”

“透过家具和织物，你会偶尔瞥见同时在逛展的其他观众，空间也满足了人们渴望被看到或者看到别人的社交互动需求。”

此空间所放置的是首届AD100建筑设计精英之一、著名美籍华人产品设计师石大宇的家具作品，由其创立的品牌清庭Dragonfly出品；形态安逸如其名的竹制躺椅（下图），蜿蜒交错形似抽象“龙”头的架衣车与虚实相生的“几流影”桌台（上图），无不彰显竹材的韧性与柔软，结构、比例与尺度讲究张弛有度，充分凸显家具亦如建筑的内核。

“作为设计师，过去的经历和从事的项目构成了我如今的身份认同，相比起过往的项目，这次展览更像是一次直觉的回应，但从结果来说一切都有迹可循。”

空间所放置的是RUYI如翌创始人袁媛的家具作品，右侧为“凤扇”椅，它受启发于古扇的扇骨，以包容开放的姿态容人入座，正如一面撑开的扇子，一旁的“扇月”休闲椅将传统古扇的扇骨结构在椅背设计中转化，一气呵成的扶手形成一个温润的圆，座椅背后的“轻扇”屏风则巧妙发挥了传统团扇的半遮光特性，在若隐若现中传达出东方的含蓄之美，同时适作空间隔断，三件作品凭借简洁鲜明的设计语言，将东方精神展现得淋漓尽致。

东方讲究“和谐”，万物顺应自然，合乎天道，好的作品往往诞生于不去刻意追求的时刻，不过分追逐文化符号或是去东西方化，让它们自然地发生碰撞，灵感便随之而生。金智虎提到他负责颂艺术中心项目（Soul Art Center）项目时为空间所设计的一张茶桌，以崭新冷峻的黄铜材料作为百年古木（木材取自一扇百年木门）的延伸，未尝不是一场浪漫的文化交融。

“我们经常会被问到关于东西方的问题，但这概念本身就是暧昧不明的，我认为有必要对二者进行界定，正因它们的截然不同才产生了对话，协调了艺术家、家具设计师或建筑师，但不同文化之间的模糊地带才是最有趣的部分。”

“建筑和家具都有生命，它活着，也会变老，然后慢慢消亡，世界上没有什么是永恒的，我们总有一天要把它还给大自然。我们很多时候太关注事物的成长，但也许是时候思考如何让它好好离开。”

金智虎（Howard Jiho Kim）

AD100建筑师，TEMP建筑设计工作室创始人

金智虎认为，世界充满变化，变化又与时间有关，从日照的角度，温度的变化，设计需要以开放的心态适应时间和空间乃至人的变化，因此他试图在空间中加入可以适应不同产品的尺寸、高度和功能的模块，用于区隔不同模块的织物在空间中形似风帆。

“在快节奏高需求的社会里，你无法预料明天将发生什么，天气会变得如何，但‘船’还是得继续航行……设计要有弹性，要留有余地，你看很多时候建筑具有永久性，要改变它们很难，所以要建立灵活的系统去适应变化。”

设计师陈大瑞的两件作品“X”系列茶几与CHINA 座椅放置于展厅一隅；“X”系列的组成物体关键是“连接”，它提炼出一个连接点，在X、Y、Z三个轴向无限绵延，X系列是CHEN DARUI最具代表性的作品；CHINA椅意在摒弃前者反装饰、注重功能的观念，通过强烈的结构特征实现装饰性的重塑，同时构件之间彼此平衡和强调舒适。

从吴滨打造的几何雕塑造型风烛落地灯，以非对称结构诠释东方意象的“imbalance”角几，受启发于狩猎器具的马蹄灯，到由陈燕飞创作的玲珑镜架、云摇椅、咏梅系列梅花茶几，以及“U”字形模具生发的“U合一”系列家具，建筑师透过“模块”让家居空间有了无限扩展的可能，“它是展览空间，但也可以是活动空间，或者是任何空间。”金智虎说。

此模块空间中的家具作品出自AD100获奖设计师、跨界艺术家、ws世尊/无间设计创始人吴滨之手，Piece and Piece系列风烛落地灯来自他所创立的设计品牌“海上”，马蹄灯来自“未墨”。

玲珑镜架、咏梅系列梅花茶几由陈燕飞所创立的设计品牌“璞素”出品。

同时，金智虎在谈话中反复提及的“尺度”，也恰到好处地彰显其中，家具之于空间，建筑之于城市，尺度始终围绕“人”来展开。正如AD100建筑师、“寻找先锋者”栏目合作者吕永中所言，细小尺度亦隐藏大道，舒服的设计要依靠一定的尺度关系。他以麻缎面料包裹“清风”禅榻，借物喻人，临摹出两袖清风的修心境界；“笛”插香座与“泉”八音盒则用简单器物来表达时间、吟唱音乐。

此空间（左侧）呈现了AD100建筑师、“寻找先锋者”合作者、半木创始人吕永中的家具作品，其中那张“清风”禅榻彰显不凡气度。在吕永中看来，中国设计应回归生活之本，先锋首先取悦自己，微妙的尺度变化在空间中可以转化为无限大，一件家具尺度虽小，里面的材料、结构、工艺、人体工学和本身的状态，都能带他回到设计的起点，他始终以“取半舍满”的态度做设计；右侧空间的座椅为袁媛打造的“扇月”休闲椅。

“家具和建筑虽然存在尺度差异，但其核心还是‘人’。家具是缩小的建筑，也是人体的延伸，他们都关乎结构、功能，但又不仅仅是功能，它们为人类提供慰藉和灵感，如此想来，它们也是浪漫的。”

此模块展出的是设计师周宸宸的作品，由FRANK CHOU Design Studio出品，“良辰印渚餐椅”是周宸宸于2019年为荣麟良辰设计，椅背与扶手结构行云流水般连接至椅腿，留下轻盈的视觉留白，座面与椅背之间达成奇妙的平衡。

关于什么是好的设计？设计如何呈现其永久性、可持续性和责任感，金智虎从其愿景出发作出了回答。“家具和建筑以一种更自然的方式将人们聚在一起，在不同文化之间架起桥梁，成为一个能产生好的对话和交流的平台，那便是伟大设计师会为社会做的事情。”

上图空间的三张座椅均来自素元，创始人武巍自觉现代工业高速发展、产品不断迭代，不希望为当下市场上增加“短命”的设计，他从不使用濒临灭绝的珍稀木材，并以开放友好、经得起时间的推敲作为愿景。采用藤篾编织工艺、烟袋锅榫卯接口的“明心”圈椅呈现经久耐用之姿，而专为事茶而设计的“知己茶椅”和“无相禅椅”则摒弃多余的装饰与表达，保留基础明确的框架结构。

“遇园”茶桌（右）则以清朝名画谱《芥子园》中的石谱，反用现代工业材料聚乳酸纤维模拟水墨石头的轮廓，引发人们对材质与形式的思考；“黄滴的新香几”（左）取清代五足圆香几作为原型，同时借助透明树脂浇筑脱模之后形成磨砂面肌理，对经典家具实现了一场“负”形的复刻，两件作品均由“设计之春”总策展人之一侯正光打造，由其创立的设计品牌多少MORELESS出品。

“建筑和家具都有生命，但世界上没有什么是永恒的，我们在建造建筑或家具时，总习惯向大自然借鉴索取，我们太关注事物的成长，却没有充分探讨它们如何变老、凋亡。”

《安邸AD》全媒体内容总监、“东方100/East Design100”平台首个主题展览《浪漫Ambiguity》联合策展人许绿芸（Beryl Hsu），与本次展览空间合作设计师、入围AD100的TEMP建筑设计工作室创始人金智虎（Howard Jiho Kim）共同迎接展览开幕；摄影：肖石明。

“创作原点从一块‘module’开始，到可触及的‘build’再到宏观的‘world’，每位参与的设计师都可极尽自由地提出设想和答案，构建未来世界可能的状态。”

— 温浩

学者、创作人、铜文化家具品牌“先生活HAOStyle”创始人

三年以来，温浩、宋涛、侯正光三位主策展人愿景始终如一，为中国原创设计开辟试验田与滋养土壤，并为其注入艺术的力量。这场“设计之春”可谓历经千锤百炼而厚积薄发，呈现出前所未有的多元包容面貌，凝聚全国各地的设计群落应对未知与变化。

中国当代设计的引领者与富有蓬勃朝气的新锐设计师们共聚一堂，3个展馆、2万多平方米面积、5大主题区块、22位知名策展人、300多位先锋性艺术家设计师，726天精心筹备，诞生出一个个独具风景、又饱含凝聚力的空间，让这片吸收了东西方文化精华的创作土壤持续孕育创意生长。

此处为DIMENSIONE CHI WING LO Italia 及1ness「一方」品牌创始人卢志荣的展区，名为“雨后”（AFTER RAIN），他采撷自然景观，邀人共赏雨后初霁、墙头花枝的景象，并一起思索重生的意义。

此时此刻，大地或许在等待一场幽碧春雨，卢志荣所打造的“雨后”便创造了这样的景象：雨露悄然落入草地，万物向各方八面生长，逐渐散去的雨雾、湿漉漉的青草地、宛如枝头积新“雪”的玉兰，眼前没有任何家具或器物，只有一片世外桃源般的后花园。卢志荣此次回归建筑师身份，以诗意的设计“缝合”现实与梦境，玉兰花影映着白墙，微风夹杂泥土的腥香，坦率的设计传递出生长的势头和乐观的讯息，同时也引发过度设计在充满创造力的背景下有无立足之地的反思。

从去年“憧憬”那片被积雪覆盖的竹林，到今年雨后冒新绿的草地，我们刚从一场大规模的迷雾中恢复，多少还有些心有余悸，卢志荣描绘出一幅满载希望的图景，带领我们“穿过迷雾”，迎接春暖花开，看设计破土而出，缭绕着满园春色。

上图变换：从卢志荣“憧憬”2021现场到今年的“雨后”；在这片散发着青草泥土香的“花园”，观众注视它，走进它，被它包围着，甚至成为它的一部分，感知觉获得进一步的自由与释放，人与大自然浑然一体。

从卢志荣的“雨后初霁”花园移步至沈宝宏先生的岭南“街巷院落”，往日故乡与儿时记忆便浮上心头，U 以造景的方式打造出沉潜于东方人心底的平和小院、阡陌巷弄，也与“东方设计100：浪漫”的庭院遥相呼应。穿堂过院，移步换景，院墙悬有灯影绰绰，深处若有蛙鸣犬吠，石子路上有老凳旧瓮。

“上次我们做了院落，它代表着对家乡的怀念。这次更想呈现街区的感觉，它不仅是属于自己的院子，更是社会整体，人们可以互动、交流，它就像一个剧场，在探讨着邻里之间的紧密关系。”沈宝宏说道。

沈宝宏所创立的U 家具此次在设计之春打造了“此心安处”生活艺术展，并携三年期间产品南下广州，发布全新拾金与问石系列。齐鲁之地的历史文化悠久绵长，根植于山东济南，沈宝宏和他的设计品牌U 也深受古典居住美学与哲学的影响。

关于这场展览，沈老师将其描述为“将‘未完成’完成，让‘即将开始’开始”。“之前想回家回不了，也无法去探望老人，这是很遗憾的，所以我开始思考怎么构建安静美好的环境，让你有种终于回到家的亲切。”

“从第一年的七个茶室，到如今的街巷，我们依然在探讨人与人的关系，不过这个春天还真的是挺美好的。”在季节轮替和场域变幻中，人能够站在现在对话过去，于静谧之中向往光明，行至街巷，重返心安处，再去往心之所向。

街巷在设计上是按照传统住宅来进行，但又整合了南北方文化、现代和抽象语言的差异，它像江南古镇又似岭南建筑，透过窗户可以看看街巷，甚至邻屋场景。为了让街巷更宁静，设计师还特地为石子路做了区隔，当天色渐暗，你会发现自己仿佛身处水乡，格外宁静雅致。

如果说沈宝宏所打造的一片淳朴干净的院巷，那AD100获奖设计师、无间设计创始人吴滨所呈现的未墨空间，则如原始、粗犷、神秘的水墨世界，未曾着墨、却丹青满目，曾研习水墨画的吴滨始终在以设计探索至“时态”的可能性。踏入灵感源于罗马斗兽场的广场，张若愚的艺术雕塑与未墨gallery系列产品在野蛮生长，一侧的组合客厅与LOUNGE空间则更显深邃悠远。

本次未墨以“文明的旁观者”为主题，吴滨联合孟也、仲松、厐喜、黄全、曾建龙五位设计师，塑造出无时间尺度的空间，呈现当代东方生活状态的时光切片，探讨文明如何在生命的延续中始终生长；此处为灵感源于罗马斗兽场的广场空间，抬升的地面取用罗马广场周围观看台的形制，体块感家具不规则排布，暗含着古罗马广场遗迹的形态。

黑白色调交错，树脂与橡木，皮革与石料，灵感源自东方宣纸与自然，一实一虚，一黑一白，传达禅宗的圆相，全黑代表所经历的苦难，白色则是生活的美好赠予。取材自动物标本、化石及矿石的雕塑，突显狩猎文化。檀木云纹、斑驳漆画颇有几分中国水墨画的神韵，静静阐述一种达观的人生态度，不浮躁、不修饰、水墨泰然。

昏暗的灯光与重色包裹的墙面，充斥神秘的探索性。

移步至温浩的“先生活”展区，一种从容而舒展的秩序呈现出来，世事无常，生活往往混沌无序，温浩将台、椅、桌、案植入简洁宽敞的空间。铜的厚重与细腻，在近距离触摸后，方能感知到它的脉搏与温度。

作为“设计之春”总策展人之一，温浩不但是中国当代设计的研究者、观察者，更是身体力行的实践者。通过创办“先生活”品牌，他为铜家具打开了更为广阔的空间。他透过“先生活HAOstyle”空间，把几十年来对这三者的思考以沉浸式空间体验形式呈现出来，向人们传达生活的智慧：惟有“先”生活，才能平衡身心健康、获得欢乐。

游走于此处，你会从空间尺度、材料质地、工艺细节中感知到心灵深处的需求。温浩注重局部与整体、物质与精神之间的关系，将空间视为释放精神和灵魂的道场，人得以在一呼一吸、一念一动间回归本心。正如他所说：“这里有美好生活中应有的一切，就让我们爱所爱，信所信，做所做，简单而持续地走下去、自然而真实地活下去。”

“先生活”展区所呈现的艺术家艾敬的作品，与温浩的铜质器物形成生命张力，深沉与明快、刚强与柔软，厚重与轻盈、传统和当代，两位艺术家透过各自表达、联合展示，从无所不包的生活找寻永不止息的神圣之爱（Agape）；空间所呈现的艺术家作品为《Mr.R #14》。

春暖花开之时，《安邸AD》全媒体内容总监Beryl Hsu联合岩设计yandesign.co创始人杨岩为来客奉上一场春飨盛宴。所谓“食在广州”，自2021年开始，富有岭南特色的春飨便成为“设计之春”的常驻展，今年两位策展人以“曲园”为题，四个圆形空间勾勒出空间形态，编排动线，推演景深，内收外放，建构出人在场所环境中的情绪价值。

今年春飨除了岭南风味佳肴、上好佳茗，家具器物也使用了来自U 、多少、璞素、先生活的作品，给人温润之感，器物则由融白、椋木、安拾、寻常茶事提供。

这里有茶、有酒、有菜，有礼，盖聚物之夭美，以养吾之老饕，春飨勾画的是当代岭南人的生活，述说着代代相传的日常。风物人情、艺曲书画、欢宴雅集，在千回百转间尽一席佳筵之风范。

“可持续，也可以说是重新发现美的眼光，美不一定要一切从头开始生产，你也能从现存的事物中找寻......你看现代设计，每个阶段有不同的风格，会运用不同的材料，留下来的固然是好东西，但大多会被慢慢抛弃，能够接纳衰退和死亡，也是一种东方之美。”

— 宋涛

YUAN MUSEUM馆长、自造社创始人，

O Gallery创办人。

设计与艺术一直存在着“模糊地带”，如何让艺术更好地糅合进“设计之春”、构建艺术、设计、生活三位一体的关系，是作为主策展人之一的宋涛最看重的，在走进“自造社”那刻便可体会。从O Gallery到YUAN MUSEUM，宋涛的“圆”画了十几年，也是他认定的轨迹。圆，自在圆融，亦是自然万物生存的载体。

充满东方韵味的沉浸式艺术空间，融合了茶室、书房、会客厅等功能，参展艺术家包括王万兴、张忠宇、阿璐（家具），刘丽君、姚邦亮、饶鹏程、区廷柱（大漆），张永宏、陈焕萍、宋涛、朱岚（绘画），宋鑫子（花器），张敏、薛照新（雕塑）。

“自造社”中的作品既是艺术品，也被赋予了功能性的家具。以意识流方式创作的抽象绘画与宛如雕塑的桌、椅、榻、落地灯共处一室，设计师张忠宇的线性素描家具与墙上苍劲有力的画作互为映衬，贯穿其间的大漆作品形态万千，和材料轻盈的汉麻沙发形成轻重合宜、刚柔并济的视觉张力。

造型似动态的雕塑的落地灯出自家具设计师，木作家王万兴之手，与之呼应的画作由艺术家张永宏创作。

泥土经无数次叠加而产生微妙缝隙的陶瓷作品，用不一样的力道缝制、缠捆出的一棵棵“小树”，由木头雕刻出的马蹄莲花序……材料以昂然姿态延绵生长，在工艺与艺术表达中找到温床，从展区所呈现的王嶺、孙文佳、林芳璐、Ryan Matthew Mitchell煤球、于洋等艺术家的作品中，自然材料中所存在的生命始终是创作的起点。

此处所展出的作品分别为：林芳璐，《她的树》，She’s Tree，2022；于洋，《Flower》，2022；摄影：莫锡海。

还记得三年前，宋涛试探性地将艺术作品融入设计师品牌空间里，此后每年都聚焦两种材料，对它们在当代的创作现状进行梳理，从金工和大漆展到今年在YUAN MUSEUM呈现的陶艺及玻璃专题特展，宋涛为展览所构建的当代艺术场景，无不彰显对自然的敬畏与对造物工艺的审视。

YUAN MUSEUM由知名艺术家、策展人宋涛先生于2019年创办，此次“当代国际陶瓷与玻璃艺术展”由YUAN MUSEUM发起，联合策展人宋涛、吴昊宇、王克震集合了23位陶艺和玻璃艺术家的作品；展厅由建筑师郭廖辉担纲设计，展厅被贯穿的走道一分为二，倾斜垂落的幔帐将人们的注意力带回到作品之上。

而伫立于其间的器物，向观众们展示了创作者与材料的直面对话。成乡 、高俊杰、黄季 、李罗维 、李松林、彭怡、王沁 、吴德灏、郑闻卿 、庄稼等十位艺术家用透明的玻璃映照出四下的风景，曲折、反射、变形，紊乱中生出震荡涟漪，仿佛自然凝成的光影，像风、像海浪，像谁的呼吸。

上图为YUAN MUSEUM所展出的玻璃作品：分别为吴德灏，《无无明- NO.10》，2020；李罗维，《北冥》，2021。在艺术领域，玻璃从事一种审美上的“清洁”，摆脱绘画艺术中的颜料，直接让光作为材料，通过透明、半透明和反射性玻璃，我们能够体验到作者造物的巧思，于微观中是流动，于宏观中却是的凝固；作品细节摄影：莫锡海。

另一侧的陶瓷展览呈现着由吴昊宇策划、收集而来的13位陶瓷艺术家的作品。陶瓷也有人格，空气的湿润、泥土的软硬、双手的温度，塑造出生命的形状，陶瓷也是体感和力道分寸的延伸。艺术家在泥土、釉色、成型工艺、烧成工艺等不同领域及创作方式里连接身与心，让陶瓷仿佛拥有灵魂，仿佛它们曾是鲜活的生灵。

YUAN MUSEUM一侧所展出的陶瓷作品，自上而下分别为：Ryan Matthew Mitchell煤球，《Epoch Sound》，2021；《YiGe Vase》，2020；作品细节摄影：莫锡海。

手工打造的器物，会全面反映出创作者的精神、情绪、人生观，将未经雕琢的天然材料制作成雕塑，千万次重复敲打后富有锤纹的银制茶器，泥土经风化断裂而重塑，器物不再只有普通使用层面上的实用价值，而拥有与生命连为一体的“根”，成为蕴含自然法则、身心共鸣的风物。

器物所流露的浪漫，是对不完美的憧憬，对时间流逝的接纳，对幻想的反抗，自然的变化决定了美有振幅，忽此忽彼，时左时右，美有时候会昙花一现，却无人能攥在手中。

陶瓷器物组合来自陶艺器物品牌Foggy，其主张运用不加粉饰的天然材料，制作出具有雕塑感的器物，回归事物本质，尊重自然法则。

回归到今年“设计之春”所提出的一个字：百。我们的理解不仅为“众”，还有包容、变化、无限……五年前，温浩联合侯正光、宋涛发起“设计之春”，如今它俨然成为数百人乃至万人的共同努力。

“100背后有很多含义，中国人说百姓，它传达的是海纳百川、血脉延续的含义，我们今天所谈论的空间意图是为了把人们聚集在一起、产生对话拥抱变化，包容差异。”

金智虎（Howard Jiho Kim）

AD100建筑师，TEMP建筑设计工作室创始人

个体的独立与群体的凝聚，东方与西方，有用与无用，美与美的误解、技艺与技艺的缺失，无论所处环境如何变化，它都将坚定而持续地深耕着这片设计土壤，并激发更多人来开辟新的疆域，以雨露滋养生命，让灵魂唤醒灵魂。