设计高中是一个设计艺术展览，周四在伦敦路易丝·布鲁因基金会开幕，展出的作品由Atelier van Lieshout、Joris Laarman、Robert Stadler和其他人组成。

由Natalie Kovacs策划的展览是与木匠工作室画廊合作举办的。上图：法布·施普利特/彩色浇注，雷纳·斯普利特，2009。上图(前景)：马克·奎因(MarcQuinn，2008)的书桌和湖椅。

上图：Atelier van Lieshout的沃布豪斯。

上图：乔里斯·拉尔曼著的骨链，2006。

上图：骨椅由Joris Laarman(左)；ForeverYoung由Robert Stadler(前景)；各种作品由Robert Stadler(背景)。

上图：Lionel Scoccimarro的Bj SSN°3802071

这里有一些关于展览的文字，还有相关设计师的传记，以及策展人Natalie Kovacs的一篇文章：

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设计高，6月25日至8月30日

由工作室van Lieshout，漂移，Ingrid Donat，Joris Laarman，Lionel Scoccimaro，Marc Quinn，Mathieu LEHANEUR，Pablo Reinoso，Rainer Splitt，Remote International，Robert Stadler，Sebastian Brajkovic，Terrry Dreyfus，Vincent Dubburg和Wendell城堡组成的设计艺术展。

路易丝·布鲁因基金会很高兴地宣布与世界领先的设计艺术画廊之一木匠工作室画廊建立合作伙伴关系，这次展览将展出当代设计艺术领域最重要和最具创新性的几位艺术家。

DesignHigh将专门解决该领域一些最具创新性的既有艺术家和新兴艺术家之间的紧张关系，其中包括Marc Quinn、Pablo Reinoso、蒂埃里·德雷弗斯、文森特·杜布尔和塞巴斯蒂安·布拉伊科维奇。在一个不排除形式主义或主观目的之外的目的的成语中，设计艺术因为包含某种形式的功能或有用而受到赞扬和排斥。

设计高中将在路易丝布鲁因基金会，奥拉夫街3号，荷兰公园。开幕酒会将於六月二十四日星期三下午六时三十分至十一时举行。

设计高度将专注于美术与工艺之间的精细，也许是虚幻的线条。
在设计艺术中，如马克·奎因和蒂埃里·德雷福斯等一些最知名的名字，这个节目将特写和即将到来的流派的支持者们，模糊并操纵形式主义和功能性之间的界线。
SebastianBrajkovic是一位著名的年轻艺术家，他的作品颠覆了历史风格的家具变成了超现实和功能失调的雕塑，将与另一位使用传统和发现的物体的艺术家一起代表，
从大自然中编织出最基本的元素形式：树枝和箱子，主席团，椅子，甚至楼梯，赋予自然和物体一个新的身份和一个新的功能。

其他艺术家，如英格丽德多纳特，工作与更传统上可识别的物品，但多纳特铸造这些青铜，以创造的雕塑纪念性的碎片。还有一些人，如马克奎因，陶醉于冰川光滑的卡拉拉大理石、玻璃和金属的触觉特性，创造出表面上功能性的物体，同时感觉远离实际和日常生活。

“多年来，设计艺术一直在推动文化与商业之间的争论。但伟大设计的使命是建立一个更美好的世界：一个更鼓舞人心、更舒适、更合乎逻辑或更令人愉悦的世界，“路易丝·布鲁因基金会(Louise Blouin Foundation)创始人兼董事长路易丝·布劳因(Louise Blouin Foundation)说。”这样，设计艺术就是文化的精髓所在；它通过物体、建筑和城市规划来触及我们，改变我们。设计艺术可能有一种功能，甚至是一种平淡无奇的用途，但同时也能带来快乐，并提醒我们无限的集体潜力。“她补充道。

路易丝·布鲁因基金会画廊的巨大规模和“空白画布”质量是艺术家创作过程的跳板。在“设计高”中展出的几幅作品是直接响应于基础画廊空间的巨大规模和生动多变的光线而创作的。设计高级还将补充泰特现代和维多利亚和阿尔伯特博物馆今年夏天同时举行的设计作品。

设计高中将受到一系列教育活动的赞扬，这些活动是正在进行的路易丝·布劳因基础教育、科学和创造力方案的一部分。小组讨论、讲座和讲习班将探讨设计艺术中的形式和功能之间的联系和紧张关系。讲习班将由参加的艺术家领导。主要学者、策展人和评论家将发表演讲和讨论，探讨当前关于设计作为一种艺术形式的观点、设计市场以及功能艺术在国际市场上的前景。

艺术家介绍

Aelier van Lieshout AVL的创作团队生产出实用、简单和实质性的艺术品，这使得他们所描述的“缺乏设计”的元素成为可能。这些新工程开发了常用的工业材料，如用于脚手架施工的镀锌钢管和未完成的胶合板，以及它们对色彩鲜艳的聚酯的商标偏好。AVL设计家具是为了满足一种自给自足和独立的生活方式，其精神与公司自己的思想理念相同，这些理念体现在他们的微型“奴隶城市”模型中，这些模式被塑造成灯具、椅子和桌子。

漂流设计工作室由拉尔夫·诺塔(1978)和隆内克·戈迪恩(1980)创立，两人均毕业于荷兰Eindhoven设计学院(2005)。以共同的热情观察人类的行为，漂移设计产品，项目和概念的内部和公共空间。Nauta是许多工艺、材料和生产技术方面的专家。戈迪恩对形状和概念化有一种奇妙的感觉。它们将知识与直觉、自然与科幻、意识形态与现实结合在一起。

英格丽德·多纳特--出生于巴黎的英格丽·多纳特从安德烈·阿布斯的同伴西尔维亚·伯恩特那里学到了雕塑艺术，从设计到建筑、铸造、雕刻和绘画。在过去的二十年里，多纳特一直在创作一套她在1998才开始公开展示的作品。多纳特雕刻青铜器，油漆装潢和处理木材。艺术家的灵感来自于部落艺术的大胆色彩和形式，装饰艺术的优雅和简单，以及新艺术的有机和自然的主题。

乔里斯·拉曼于2003毕业于著名的艾因霍温设计学院，在那里，他因其功能性洛可可散热器的热浪而声名狼藉。他曾是欧洲大学的客座教师，如伦敦建筑协会、阿姆斯特丹里特维尔德学院和艾因霍温设计学院。拉尔曼是当今荷兰最具创新精神的设计师之一，他的“骨”系列使用了一位科学家最初开发的一种算法来复制骨骼的生长方式。

LionelScoccimaro和许多目前的技术一样，LionelScoccimaro的技术通常表现出非常流畅和成熟的技术，这是由于使用了工业树脂、漆和工艺。这种治疗方式，艺术家的“正式心理”在乍一看几乎没有留下什么痕迹，目的是某种效果，表明立即理解。这个清晰的符号词典掩盖了斯科奇马罗多层信息的复杂性。

马克-奎因-马克-奎因的广泛作品表现出对身体的易变性和定义人类生活的双重性的关注：精神和身体、表面和深度、大脑和性。奎因利用一系列不妥协的材料，从冰和血到玻璃、大理石或铅，将这些悖论发展成实验性的、概念性的艺术作品。

马蒂厄·莱汉努尔·莱汉纽尔于2001毕业于ENSCI讲习班。他热衷于身体与环境、生活系统和科学世界之间的早期互动。在这些技术和自然元素(植物、藻类...)的创造中，他开发了制药、生物或天体物理学的项目和探索性设计。

巴勃罗·雷诺索·巴勃罗·雷诺索从十几岁就开始练习雕塑艺术。莱诺索是一位法国-阿根廷艺术家和设计师，1955生于阿根廷布宜诺斯艾利斯，自1979以来一直在巴黎生活和工作。多年来，雷诺索一直致力于木材，板岩，大理石，黄铜和钢铁，使他的创作适应各种材料。

雷纳·斯普利特·斯普利特(RainerSplittRainerSpler)就读于布伦瑞克美术大学(Universityof美术)、尼姆斯艺术学院(Ecoledes Beaux-Arts)和纽约视觉艺术学院(今天他在柏林生活和工作。他以浸水板而闻名，特别是他用树脂和聚氨酯制成的彩色铸件。他的作品获得了一些奖项，其中包括在2003德国学院罗马别墅马西莫著名的奖学金。

随机国际随机国际组织是由Stuart Wood、Flo Ortkrass和Hannes Koch于2002年在伦敦设立的一个集体。他们的工作探索了重新解释数字的“冷”性质和模拟的经常动手的方法之间的冲突。为了实现这一点，兰登国际开始探索和探索科学、艺术和设计之间的关系。大部分的工作是互动的，由强烈的好奇心施加到实验过程。

罗伯特.斯塔德勒.维纳斯出生的斯塔德勒在米兰学习设计，然后在巴黎的EnSCI/LES工作室工作。斯塔德勒的作品常常试图通过质疑艺术作品或作品的对象地位、处理珍贵与低俗、优雅与粗俗、严肃与荒谬的品质来扰乱通常的艺术设计范畴。

塞巴斯蒂安·布拉伊科维奇在学校完成了一门制作橱柜的课程后，申请了里特维尔德学院和艾因霍温设计学院，他在美术教育或设计教育之间左右为难。他最终选择了设计学院，目的是使那些想成为设计和设计的艺术成为艺术。布拉伊科维奇在Gijs Bakker、Hella Jongerius和Jurgen Bey的领导下学习。他还继续他的研究。在乌得勒支大学(Utrecht University)攻读哲学专业，并在尤尔根·比伊(Jurgen Bey)的工作室进行了宝贵的实习。6月份，布拉伊科维奇(Brajkovic)凭借“拉床椅”和“本土成长”项目毕业，成为一名杰出的年轻设计艺术家。

蒂埃里·德雷弗斯·德雷福斯是设计艺术的领军人物之一。20世纪80年代，他在斯特拉斯堡歌剧院工作，第一次在舞台上担任灯光设计师的身份脱颖而出。他的职业生涯迅速扩展到一些最伟大的时装公司的时装秀灯光，包括伊夫圣洛朗，克里斯蒂安迪奥和赫尔穆特朗。自1989以来，德莱弗斯一直与设计师安德米勒梅斯特合作。德雷弗斯在为T型台和歌剧院工作的同时，还创造了一系列壮观的照明项目，从国内的公共项目到不朽的公共项目。对于设计高层来说，路易丝·布鲁因基金会的入口处画廊的戏剧性规模为一个特定地点的灯光安装提供了灵感。

法国设计师文森特·杜布赫(文森特杜布尔)在巴黎和他的工作室所在的小城镇克里乌斯(Creuse)工作。杜布赫的最新作品对传统的现代家具设计理念提出了挑战，因为他对现有材料和天然材料持开放态度。他独特的作品唤起了一种熟悉的、故意藐视的设计或艺术分类的感觉。杜布尔把他的作品描述为家具、建筑和雕塑的融合，在那里他在实用和美丽之间找到了一个仔细的平衡。杜布尔使用传统的家具制造技术，如玻璃吹制、木材弯曲和金属铸造，作为一种改变简单材料和发现物品的手段。他独特的风格既怀旧又前卫。

温德尔·卡塞尔·卡塞尔的作品以其诙谐的机智和独特的雕塑材质而为人们所认可，其中包括他的签名：叠层木和玻璃纤维。他的新作品探索了玻璃纤维和不锈钢的体积，同时使用了充满活力和出人意料的色彩和闪光纹理。城堡在世界各地的40多个博物馆展出。

实用信息Louise Blouin Foundation 3 Olaf Street London W11 4BE www.ltboundation.org 44(0)20 7985 9600 info@ltboundation.org

免费入场时间星期二至星期五上午十时至下午六时星期四上午十时至晚上九时星期六中午十时至下午六时咖啡厅星期一至星期五开放。

前往地基地铁站：拉蒂默路/荷兰公园/牧羊人的灌木丛

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由Natalie Kovacs/Carpenter工作室画廊在Louise Blouin基金会策划的高设计

“设计高”是一种形而上学的经验，在一次遇到伟大的雕塑艺术，在那里的形式和功能相遇，以超越商。海拔、光照和阐明创造了这种发生的必要条件。

在雕塑、绘画、建筑和装置相互融合的地方，现有的联想力量通过设计对话而消失。高设计是一种巴洛克式的感觉，在那里，几何和有机的形式被缩小和结合，从而产生沉思的反射。

这个展览考察了“构图”的概念；“身体”、“建筑”和“自然”的概念，迫使我们面对艺术家永恒的问题，即我们是如何、在哪里和为什么开始的。“高设计”指的是我们自身进化过程中的变化状态。

雕塑是一种对抗：它要求我们重新考虑我们与地球的关系以及我们有限的位置。设计高度解放思想，从定义的债券发展和实施了几个世纪。设计不必是D。在其最深远的方面，它的形式是生命形式。

我们必须记住，所有的艺术都有功能目的，而不是装饰或描绘的目的。洞穴画是为了吸引人而创作的，这是一种召唤和获取食物的方法。古埃及、中国和中美洲的雕塑、浮雕和二维作品都没有被视为“艺术”。黑暗时代的象征是为生存而设计的。他们被认为不是“图片”，而是原始的精神物质，像身体一样活着。

艺术与设计的分离很快在文化地图上变得清晰起来。一幅画就是一幅画。一张桌子，甚至是圆桌，只是一个人坐在周围的东西。有时，这两条小溪汇合在一起，就像艺术一样

这已经完全改变了。这些作品在微观上概括了我们的世界，我们的星球，我们的社会，同时也迫使我们的头脑在这样的限制和条件之外思考，去连接到宇宙和不可知的事物。

社会遵循规定的日常行为模式。这个展览考察有机与人为。在现实领域之外，在艺术领域内，这些作品既质疑我们死记硬背的习惯性做法，又扩大我们对如何生存的看法，反映人类的需要，如食物、住所、生产和生殖。

AVL认为身体是完美的建筑：一种神圣的设计，以沃布豪斯为例。设计、建筑和艺术之间没有界限。分类和定义已经过时。在通过设计分析我们的世界时，我们创造了一个可以看到无限的镜头。作为死亡的一面镜子，这项工作邀请我们重新考虑大自然的蓝图，物质的存在激励着其他世俗的沉思。

这些碎片反映了我们生活的星球以及我们与地球的关系。人类对生存的三种基本需求表现为有机和无机形式，从AVL的妇女之家到Lehanneur的当地河流，植物、水和鱼的结合元素创造了不仅维持精神，而且维持身体的艺术。

高度的设计提供了一个顿悟：我们可以暂时确定一个超越我们理解的平面的平行的实相。最后，我们意识到我们自己的行动和我们自己在永恒中的地位。这样，我们就可以按计划生存和死亡。(引用馆长娜塔莉·科瓦克斯的话)

Natalie Kovacs，馆长

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