亚伦·贝茨基(Aaron Betsky)在他的最新观点专栏中说，大都会博物馆(Met‘s Comme des Gar ons)展览展示了像川久保(Rei Kawubo)这样的前瞻性设计师是如何使用新的数码工艺品来操控身体和建筑

在纽约大都会艺术博物馆，日本时装设计师川久保的作品中既有建筑也有时尚。不仅是创建并经营服装设计师Comme des Gar ons的川久保，创造了人体作为一个独立实体的结构和形状，而且她还设计了这个展览。

这是一组用白色制作的复合曲线，用来对显示器进行呼叫和响应，它和川久保的服装设计一样独特。这个展览让我想起了时尚和建筑越来越紧密地交织在一起的方式，因为它们知道如何理解它们所处的世界。

这不仅仅是建筑变得更加时尚化的问题。是的，它变得越来越短命，形象化，并受时尚周期的影响，包括它不断地提到古典时期（古典、巴洛克、洛可可、新古典），以及对精英使用的先前奥特雷形式的挪用。

但是，此外，技术、工艺和形式的流动性导致了我们所穿的东西和庇护我们的东西之间的对立，而这些东西有利于构建个人和社会的人格。

技术、工艺和形式的流动性导致了我们所穿的东西和遮蔽我们的东西之间的对立。

由于这个世界的联合国工作室使用计算机技术，冻结的建筑形式被分解成更流畅的形状，流行文化元素被OMA和它的后代吸收到正面，甚至融入建筑物的结构中，以及建筑作为以帐篷和纺织品历史为基础的观念的重新出现，这些都软化了建筑的边缘。

与此同时，人们对建筑对人体反应的各种方式的关注，首先是粗略地通过“人的因素工程”及其更科学可疑的表亲“基于证据的设计”，现在又是通过詹姆斯·J·吉布森(James J Gibson)的观念的复兴，这些公司包括扎哈·海德建筑师(Zaha Hadid Architect)、荷兰皇家空军(RAAAF)和Sn赫塔(Sn Hetta)，这也模糊了人们对人体采用的反应与建筑框架之间的界限。

最后，德国哲学家彼得·斯隆迪克(Peter Sloterdijk)关于“泡沫”、“泡沫”或“球体”的概念很受欢迎，这使得问问题的建筑师们发现了他们提议的围裙与湿漉漉的衣服环境之间的共同性。

同时，时装设计师也在寻找建筑的灵感。从皮埃尔·卡丁(Pierre Cardin)到拉尔夫·劳伦(Ralph Lauren)和汤姆·福特(Tom Ford)等极简主义设计师都宣称，他们热爱简约版的现代主义，他们试图把身体抽象成漂浮的飞机和制服，让我们成为更大机器的一部分--尽管有些人穿着白色衬衫或完美的黑色连衣裙漂浮在上面。

像侯赛因·卡拉扬这样的设计师已经走得更远了，他们把自己的时装想象成了家具，或者把他们的设计融入了空间环境的操控之中。一些建筑师，比如奈杰尔·科茨，也开始着手设计建筑与时尚之间的混合物。

在整个这段时间里，一些时装设计师一直坚持自己的传统和技能，想办法不让界限变得模糊，从而理解类似的问题--住所和舒适、功能和形式、美和愉悦--既能让建筑又能让时尚生机勃勃。

它们复兴了过去的类型，从巴士到分层连衣裙，它们有时在旧纺织厂找到的历史图案，以及与它们相关的工艺品，其中最显著的是维维安·韦斯特伍德(Vivienne Westwood)，但也出现在巴黎时装设计师(如让·保罗·戈蒂埃(Jean-Paul Gautier))的作品中，这与对古工艺和建筑历史类型的重新估值(当然，在从文学到音乐的各个方面都是如此)是平行的。其结果既不是模仿，也不是集成，而是关注点和风格的呼应。

在我看来，川久保的作品是后一种方法的缩影。从20世纪90年代末开始，她发展出了膨胀、翻滚、挤压出身体的形态，增加了附属物和织物假肢，这些与身体和衣服之间的关系不大。

尽管她在描述“身体相遇”(1997)时提到了身体可能存在的畸形--比如驼背和肿瘤--但随着时间的推移，她的想法显然是对时装内在的雕塑和空间潜力的探索。

川久保的作品体现了人们对关注点和风格的共鸣。

如果传统时尚使用了经过几个世纪的剪裁、造型和缝纫来适应身体的知识--包括它、缓冲它、强调它最好的特征和隐藏他人--她就用同样的工艺来创造完全独立的形式，而且往往与人类形态形成鲜明对比。

有时，就像她把男人的双排扣，威尔士亲王的西装转到了现场，为了适合米其林人(“无限裁缝”，2013)，额外的布帆从翻领下面展开，剪裁，宽裤子(人物形象，2006-7)，这些形状的效果不是强调就是讽刺这些西服的力量。

在其他时候，他们继承了把身体变成一个更大范围的抽象物体的传统，这是一种通过环裙、胸衣、帽子和其他结构扩展或添加来达到的效果(分离仪式，2016)。她要么把它们抽象出来，要么把它们变成混合角色，其中的大裙子变成了一大群缠绕在一起的触角(不是做衣服，2014)。

所有这些作品的效果是使她的创作与穿着这些作品的人有着积极和批判的关系，无论是在她还是他的个性和身体方面。你是谁，你是怎样的样子，川久保显示，可能是一些灵活和设计的东西。时尚可以有同样的能力来塑造和变形你的公众形象和你个人的舒适感，这是建筑学长期以来所宣称的。

就像房子可以是你如何看待自己，或者你是如何融入社会的一个大而抽象的版本，就像一座办公楼既可以适应也可以扩展公司的权力，所以时尚可以让人体成为起点，而不是终点，我们是谁，我们是怎样的样子。

川久保的另一种技巧，就是把她的衣服撕成条，拼凑成不完整的服装，使她的时尚成为一种引用形式，就像围绕着我们的形象不断出现在我们的屏幕上一样，充满了模糊的边缘(“装饰品”，2011)。

你是谁，你是怎样出现的，这可能是一种灵活的设计。

我们用这种色彩和形式的污点来观察我们的现实，在这种抹黑中，时间和空间的重要性不如我们从眼角看到的东西的力量，而川久保放纵地进入了想象圈，同时跟踪着时装的历史，这样她才能使那个漂浮的世界成为她自己的世界。

所有这些都出现在大都会博物馆的建筑展览上，建筑同样膨胀和扭曲。服装摆放在壁龛里，由半圆形和四分之三圆形、切方形、圆筒形或悬臂式展示盒组成。

你在没有任何清晰路径的情况下，从寻找理想架构的过程中走出来。这些无光泽的玻璃制品在为主题提供庇护和框架的同时，回忆起建筑，但它们似乎与时尚和观众都没有逻辑上的联系。

整个会议都是在荧光灯管的照耀下进行的，并没有试图聚焦时尚的任何亮点。川久保的建筑就像她的服装设计一样，是碎片的游戏，把我们的定义感和确定性割裂开来。

我离开了瑞川久保展览，感觉到，事实上，没有固定的参照点，任何那些艺术，镜子，地图，或框架我们的世界。身体与其固定的比例和功能，以及我们从物质容器中获得的单一视角和观点，都是我们可以操纵的假设事实。

语境就是我们所创造的。飞行器既能对抗重力，又能对抗功能。图像可以变成形式，反之亦然，但绝不完全。这些是建筑、艺术和时尚设计的新规则。

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